Periodo Chosŏn
Nel 1388 il generale Yi Sŏng-gye detronizzò il re pro-Mongol Wu. Quattro anni dopo, nel 1392, il generale Yi si proclamò fondatore della nuova dinastia Chosŏn (1392-1910) e trasferì la capitale da Kaesŏng (Songdo) a Seoul. La sua politica era quella di mantenere stretti legami politici e culturali con la Cina di Ming (1368-1644). Il buddismo, ormai completamente corrotto, fu spostato come religione di stato da un neoconfucianesimo puritano, poi anche sull'ascendente in Cina Ming. Il confucianesimo divenne l'influenza dominante sul pensiero, la morale e gli standard estetici coreani. Subito dopo la fondazione della nuova dinastia, nella capitale, allora chiamata Hanyang, fu avviato un massiccio progetto di costruzione di palazzi e santuari reali ancestrali. Dipinti che raffigurano punti panoramici della nuova capitale furono commissionati reali. Chosŏn artisti, in particolare nelle arti decorative, hanno mostrato un senso estetico più spontaneo e indigeno rispetto alla sofisticata eleganza aristocratica tipica degli artisti di Koryŏ.
Nel 1592 il generale giapponese Toyotomi Hideyoshi invase la Corea. Per molti anni l'intera penisola è stata un campo di battaglia e una quantità enorme di arte è stata distrutta. I giapponesi portarono via anche molti vasai coreani, che in seguito riuscirono a stabilirsi nella parte settentrionale dell'isola di Kyushu e a diventare i fondatori dell'industria giapponese della porcellana. L'invasione giapponese fu presto seguita dai Manchu, un popolo manciuriano, che in seguito conquistò la Cina e fondò la dinastia Qing (1644-1911/12). Le due invasioni lasciarono il governo Chosŏn in una condizione critica indebolita, ma ispirarono anche l'ascesa di un forte sentimento nazionalista tra il popolo coreano. Le preoccupazioni si concentrarono sulla soluzione dei problemi sociali interni e sul rilancio e il ripristino della fiducia nella cultura e nell'identità coreana. Gli studiosi si sono sforzati di sviluppare conoscenze pratiche e saggezza per migliorare la vita in Corea piuttosto che studiare "vuote" teorie confuciane. Per la prima volta i pittori hanno mostrato un profondo interesse per il paesaggio e la vita quotidiana della Corea, e Chosŏn l'arte del XVII-XVIII secolo ha dimostrato un carattere e un gusto coreano marcato. Questa fioritura dell'arte Chosŏn si è conclusa dopo soli due secoli, tuttavia, a causa della mancanza di mecenatismo pubblico e privato, della mancanza di ispirazione, dell'apatia e della povertà che si è verificata quando la dinastia stessa è entrata nell'ultima fase della sua storia.
Tuttavia, questo periodo lasciò abbondanti resti artistici. Ci sono molti palazzi e templi, anche se pochi risalgono a prima dell'invasione giapponese. Al posto del bronzo e del ferro, le immagini buddiste erano di solito fatte di argilla e gesso su armatura di legno e poi dorate. Tra le arti secolari, la pittura e la ceramica erano le più importanti. Il governo Chosŏn mantenne un Ufficio di Pittura, o accademia imperiale di pittura (Tohua-sŏ), e il governo gestiva anche un forno ufficiale che da solo era autorizzato a produrre porcellane bianche e blu. Le fornaci private locali producevano anche grandi quantità di ceramiche prodotte in serie. La dinastia Chosŏn si è infine conclusa quando il Giappone ha annesso la Corea nel 1910.
Pittura
La pittura Chosŏn fino alla fine del XVI secolo era dominata da pittori di corte legati all'Ufficio della Pittura. Il loro stile seguiva quello dei pittori di corte professionisti cinesi, la cosiddetta scuola settentrionale della pittura cinese, ed era quindi variabilmente influenzato dalla scuola Guo Xi della Bei (nord) Song, dalla scuola Ma-Xia della Nan (sud) Song e dalla scuola Zhe della Ming China. Pittori famosi del periodo sono An Kyŏn, Ch'oe Kyŏng, e Yi Sang-chwa. L'opera migliore di Kyŏn, Dream Journey to the Peach Blossom Land (1447), eseguita nello stile eroico della Bei Song, è un rotolo orizzontale che raffigura fantastiche montagne e ruscelli punteggiati di fiori di pesca.
Yi Am, Sin Saim-dang, e Yi Chŏng sono i migliori pittori-studiosi del primo periodo. A differenza dei pittori professionisti di corte, che hanno fatto dei paesaggi cinesi la loro specialità, questi eruditi dilettanti - pittori si sono dedicati alla pittura dei cosiddetti Quattro Signori - pino, bambù, prugna e orchidea - così come soggetti tradizionalmente popolari come uccelli, insetti, fiori e animali.
All'inizio del XVII secolo la scuola meridionale della Cina, esemplificata da Mi Fu, Shen Zhou, Wen Zhengming e altri, influenzò fortemente i pittori coreani, in particolare lo studioso e pittore non professionista. I pittori accademici professionisti seguirono lo stile della corte accademica di Qing China, che era a sua volta una sorta di stile meridionale formalizzato. Lo stile "espressionista" e individualista di Qing degli Otto Eccentrici di Yangzhou, tuttavia, non ha trovato seguaci in Chosŏn Corea.
In concomitanza con la moda della pittura cinese meridionale era un movimento per ottenere in approccio ed effetto un'espressione veramente coreana. Le opere di Cho Sok, in particolare i suoi dipinti a inchiostro di uccelli, sono noti per il loro equilibrio tra realismo ed effetto design. Chŏng Sŏn Sŏn, un grande maestro Chosŏn, si è dedicato alla pittura del vero paesaggio coreano. Il suo tema preferito erano le aspre cime del Monte Kŭmgang (chiamato anche Diamond Mountain, ora in Corea del Nord). Per raffigurare scogliere rocciose e foreste impetuose, ha ideato le sue caratteristiche "rughe" di forti linee verticali. Questa tendenza, chiamata "true-view landscape" e stabilita da Chŏng Sŏn e altri, è stata seguita da Kim Hong-do, Sin Yun-bok e Kim Tŭk-sin, che hanno dipinto scene di vita quotidiana in Corea con un realismo che spesso confinava con la caricatura. Di questo gruppo il più grande maestro era Kim Hong-do, meglio conosciuto con il nome di Tanwŏn. Dipinse anche molti paesaggi coreani e fu uno dei primi pittori coreani a divulgare temi di genere della vita delle classi più basse. (Anche prima di Kim Hong-do, alcuni pittori studiosi o letterati come Yun Tu-sŏ e Cho Yŏng-sŏk, hanno dipinto scene della vita quotidiana di gente comune.) Il XVIII secolo vide anche la prima grave ondata di influenza occidentale sulla pittura coreana, provocata quando gli emissari coreani a Pechino, la capitale Qing, furono esposti alla pittura in stile occidentale e tornarono a casa con alcuni esempi di quello stile. Anche i pittori di corte che avevano accompagnato i funzionari erano interessati allo stile straniero e cominciarono a riflettere nei loro dipinti sistemi prospettici e di ombreggiatura in stile occidentale.
Nel XIX secolo Cho Chŏng-kyu, Chang Sŭng-ŏp, Cho Sŏk-ŏp, Cho Sŏk-chin e Ch'ae Yong-sin erano tra i pittori professionisti più attivi. I loro dipinti sono stati modellati ed esibivano uno stile accademico privo di individualità. Hanno dipinto molti ritratti eccellenti di dignitari coreani in uno stile che fondeva l'indigeno con l'ombreggiatura in stile europeo.
L'attività di un gruppo di pittori di breve durata che hanno seguito lo stile wenrenhua, o stile letterato cinese, dovrebbe essere visto contro il generale declino dello stile accademico del XIX secolo. Tutti erano uomini di cultura e gusto genuino, che hanno colto lo spirito di grandi maestri cinesi del periodo yuan come Ni Zan e Huang Gongwang. I membri più illustri di questo gruppo erano Kim Chŏng-hŭi, il grande statista e calligrafo, che dipingeva poco, e Chŏn Ki, morto giovane.
Durante il periodo Chosŏn c'è stata anche una nuova enfasi sul minhwa (pittura popolare), un tipo di pittura i cui mecenati erano per lo più gente comune. Tali opere sono state create da anonimi artigiani che hanno seguito le norme e le forme di grandi e coloratissimi dipinti decorativi e rituali di corte, ma li hanno ridotti ad una scala più piccola. Alcuni di questi dipinti popolari, tuttavia, contengono soggetti - come tigri, gazze e spirito di montagna - che non si trovano nei dipinti di corte. Erano considerati come una sorta di fascino che avrebbe protetto il proprietario e la sua famiglia dai mali e portato fortuna alla famiglia. Altri temi includevano 10 simboli di longevità (la gru, il cervo, il cervo, il fungo, le rocce, l'acqua, le nuvole, il sole, la luna, il pino e la tartaruga), uccelli in coppia (amore coniugale), insetti e fiori (armonia tra yin e yang), e scaffali (apprendimento e saggezza). La maggior parte di essi sono rappresentati in uno stile completamente piatto, simbolico, o addirittura astratto, e i colori sono deliziosi. Il tema dello scaffale, chiamato ch'aekk-ŏri, nasce dalla pittura di corte e riflette l'influenza dello stile occidentale nell'uso delle ombreggiature per creare profondità spaziale negli scaffali. Il risultato è davvero unico sia nei contenuti che nella tecnica.
Scultura
All'inizio del periodo Chosŏn, la produzione della scultura religiosa tradizionale si era praticamente estinta perché il confucianesimo era diventato il nuovo credo statale. Tuttavia, il buddismo è stato patrocinato da diverse regine a corte e sono state prodotte molte piccole e tranquille immagini in bronzo. Nel tardo periodo Chosŏn, molte immagini buddiste su larga scala, alcune di quasi 7 metri (23 piedi) di altezza, sono state costruite in argilla sopra un'armatura di legno. I loro corpi dorati sono semplici, masse stolid rivestite con abiti spessi, sciolti, ma simili a quelli in pelle. Le pieghe dei drappeggi sono rappresentate in una serie schematica e formalizzata di trecce.
La scultura profana comprendeva la serie di statue in pietra di ufficiali civili e militari e animali che venivano erette davanti alle tombe di membri della famiglia reale e di altri dignitari. Le dimensioni variano da uno a più di due metri di altezza. Le figure in pietra suggerivano la rotondità del corpo umano, ma a partire dal 1600 circa erano colonne rigide e quadrate con teste sovradimensionate, con occhi sporgenti, bocca grande e zigomi alti. Alcune figure della fine del XVIII e inizio del XIX secolo mostrano un maggiore senso di realismo.
Arti Decorative
Anche se nel periodo Chosŏn fiorì una grande varietà di arti decorative, la produzione di ceramica e porcellana era particolarmente importante. Uno dei tipi più popolari di ceramica prodotta è stato chiamato punch'ŏng, il termine coreano per un tipo di ceramica conosciuto in Giappone come mishima. Il termine coreano è una forma contratta di punjang hoech'ŏng sagĭ sagĭ, o celadon decorato a slittamento. Lo slip-decorazione comprende modelli intarsiati, incisi e stampati riempiti di argilla bianca, e anche l'applicazione complessiva di un rivestimento bianco sotto lo smalto celadon. Incisione e pittura in ferro sottosmalto sono applicate a volte anche sul rivestimento bianco. La tecnica si è evoluta (o degenerata) da Koryŏ celadon intarsiato, che era diventato grossolano e grezzo nelle sue fasi finali. I primi vasai di Chosŏn hanno inventato un nuovo dispositivo per produrre l'effetto intarsio più velocemente e facilmente. Un timbro in legno o argilla con piccoli punti in rilievo è stato utilizzato per produrre disegni di punti depressi molto ravvicinati su tutta la superficie di un vaso in pochi minuti. L'argilla bianca è stata poi strofinata nei punti e l'argilla in eccesso è stata eliminata. Alcuni pezzi di Chosŏn sono stati realizzati con la tradizionale tecnica dell'intarsio, e si distinguono immediatamente dai prodotti della fine di Koryŏ per i loro disegni grezzi e non sofisticati (floreali e animali) e per il colore grigio-verde colorato della loro smaltatura.
Le forme predominanti del punch'ŏng sono bottiglie di vino di piccole o medie dimensioni e ciotole di tè e riso. Molti sono stati prodotti su ordine degli uffici governativi, ma la loro produzione di massa suggerisce che ci può essere stata una domanda crescente da parte del grande pubblico. La ceramica Punch'ŏng era amata dai maestri giapponesi della cerimonia del tè. L'invasione di Hideyoshi ha messo fine al persistente Koryŏ intarsiato celadon una volta per tutte. La tecnica di stampaggio punch'ŏng, tuttavia, è ancora in uso sull'isola di Okinawa, a sud del Giappone.
La porcellana bianca, che potrebbe essere stata ispirata alle porcellane bianche e blu-e-bianche Yuan e Ming della Cina, è rimasta la merce più pratica per i comuni coreani. Le porcellane bianche della dinastia precedente al XVI secolo Chosŏn sono ricoperte da uno smalto devitrificato bianco latteo. Sono stati prodotti in centinaia di forni centrali e locali, ma i pezzi migliori provenivano dai forni Kwangju a sud di Seoul durante il XV secolo. Oltre ad essere la più comunemente usata, la sola porcellana bianca era consentita come materiale rituale per i riti confuciani e il culto degli antenati.
Le porcellane bianche e blu, ispirate ai primi modelli Ming, apparvero su Chosŏn Corea verso la metà del XV secolo, e i vasai Chosŏn svilupparono ben presto uno stile coreano distinto o Chosŏn di porcellana bianca e blu. Le forme dei vasi sono robuste e semplici; e la decorazione, che è ingenua e rinfrescante, è ridotta al minimo per enfatizzare il fondo bianco - una tendenza progettuale osservata anche su Chosŏn porcellana bianca con decorazione in ferro o rame sottosmalto. Chosŏn Le porcellane bianche e blu sono state prodotte da fornaci gestite dal governo nella zona di Kwangju vicino a Seoul, principalmente per palazzi e alti funzionari governativi. Negli anni successivi, le imbarcazioni di bassa qualità divennero accessibili ai cittadini.
Periodo Moderno
All'inizio dell'occupazione giapponese, la pittura tradizionale coreana era guidata da Cho Sŏk-chin e An Chung-shik. Cho è stato l'ultimo pittore di corte della dinastia Chosŏn e An the last gentleman painter. Ma i loro stili erano simili nella loro ricerca dell'enervato stile meridionale del periodo Qing, con la sua enfasi sulla tecnica della punta delle dita. Nel 1911 l'ex famiglia imperiale coreana fondò un'accademia di pittura per promuovere lo stile tradizionale, e, anche se si sciolse nel 1919, alcuni importanti pittori si erano già formati a quel tempo. A partire dagli anni Trenta il modello della pittura coreana ha cominciato a cambiare sotto l'impatto delle influenze giapponesi ed europee. Nel 1922 i giapponesi avevano inaugurato una mostra annuale per artisti coreani, progettata per promuovere un nuovo stile accademico. Le uniche strutture moderne per lo studio della pittura, sia asiatica che occidentale, erano giapponesi. Nonostante la resistenza dei tradizionalisti, l'impatto giapponese si rivelò irresistibile. I pittori più importanti di questo periodo sono Kim Ŭn-ho, Yi Sang-bŏm, Ko Hŭi-dong, Pyŏn Kwan-shik, e No Su-hyŏn. Dopo la seconda guerra mondiale la pittura tradizionale ha iniziato ad assumere una modalità di espressione moderna, come si può vedere nelle opere di un gruppo di pittori radicali come Kim Ki-ch'ang, Pak Nae-hyŏn e Pak No-su. Tutti questi artisti erano altamente specializzati nei mezzi tradizionali di pittura ad inchiostro e acquerello. I loro dipinti riflettono un audace senso della composizione e del colore e hanno anche la qualità di una vera e propria arte astratta.
L'introduzione dello stile occidentale attraverso la Cina nel XVIII secolo era passata quasi inosservata. Nel 1899, l'incarico di un artista olandese di dipingere i ritratti del re e del principe ereditato ha affrontato i tradizionali pittori di corte. Quando Ko Hŭi-dong era tornato da un periodo di studio della pittura a olio in Giappone, era così ridicolizzato in pubblico ogni volta che usciva a disegnare a olio che alla fine si arrese e ritornò alla pittura tradizionale. Tuttavia, diversi studenti seguirono la sua guida andando a Tokyo per studiare pittura a olio, e ben presto la nuova arte divenne il campo di attività dominante. Durante l'occupazione giapponese, la tendenza principale della pittura ad olio coreana fu la scuola modesta e rappresentativa che affonda le sue radici nell'impressionismo. Tra i pittori di spicco in questo stile c'erano Yi Chong-u, To Sang-bong, Kim In-sŭng e Pak Tŭk-sun.
Oltre al nuovo mezzo del petrolio, l'arte occidentale ha introdotto una rappresentazione realistica con l'illusione tridimensionale e un concetto di arte come carriera da perseguire con una sola mente, non come avocazione da gentiluomini. Ma poiché la maggior parte dei cambiamenti avvenuti durante il periodo di occupazione giapponese dal 1910 al 1945, l'arte moderna introdotta in Corea è stata rifratta attraverso il Giappone.
In definitiva la pittura moderna si è sviluppata in due direzioni: La pittura in stile occidentale praticata da artisti formatisi in Giappone, come Ko Hŭi-dong, Lee In-sŭng e Kim Hwan-ki; e la pittura in stile orientale, praticata da artisti come Lee Sang-bom e Kim Eun-ho, che utilizzavano sia l'inchiostro tradizionale che quello colorato.
A metà degli anni Cinquanta un gruppo di giovani artisti formò un movimento chiamato Informel, che esprimeva un'affinità per la spontaneità e l'espressione soggettiva dell'arte astratta occidentale contemporanea. The Monochrome Art of the 1970 è stato un tentativo di creare un'arte veramente coreana, prendendo la superficie piana della tela come il terreno ultimo per esprimere un'armonia passiva, calma e meditativa. Durante gli anni Ottanta i pittori del Minjung Misul ("People's Art") iniziarono ad esplorare temi sociali e furono legati alle proteste politiche di quel decennio.
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